Breton & Desnos, dans le catalogue de la première exposition surréaliste se tenant à la galerie Pierre à Paris:
« Le moment sera venu de nous séparer de tout ce qui nous a jamais retenus, de ne plus nous perdre aux jeux du cadran muet ou de la borne : 6.396.78. Désormais la nuit est reine ; rien ne saurait émouvoir ceux dont elle comble les maisons et les cœurs – rien, pas même le silence, à peine un dialogue d’insectes »
Trouvé dans un glossaire de termes relatifs au vocabulaire de la typographie:
« Queue: Trait court qui, dans le cas du Q par exemple, descend plus bas que la ligne de pied ».
Ce n’est pas faux, évidemment…
Peter Stults est un graphiste new-yorkais qui s’est amusé à (re)créer des affiches de films contemporains (ou presque) dans un style des années 50 et 60. L’idée n’est pas totalement nouvelle, car la tendance est au rétro avez-vous remarqué?, et Stults s’est par ailleurs inspiré du travail d’un autre graphiste, Sean Hartter, dont vous pouvez contempler les oeuvres là: http://hartter.blogspot.fr/2009/11/misc.html
Loin de moi de minimiser le travail de Peter Stults car il est nécessaire de posséder une bonne connaissance des styles pour pouvoir les détourner et, plus simplement, d’avoir le déclic de la relation entre une mise en page ancienne codifiée et le thème d’un film récent. Le travail sur Drive, notamment, est assez judicieux. Celui de 2001 relève de l’hommage, on l’aura compris, et Lang le visionnaire, réalisateur du premier film ‘sérieux’ de SF, aurait probablement apprécié qu’on lui attribue le chef-d’oeuvre de Kubrick. Peter Sellers aurait été parfait pour interpréter Groundhog Day, on aurait pu porter son choix sur Buster Keaton, mais on aurait trop changé d’époque… Quand à Avatar, avec son florilège d’effets et de 3D, il s’inscrit parfaitement dans la mouvance des films spectaculaires des années 50 et de leur mise en valeur des écrans larges, stéréoscopie etc. dont la nouveauté servait d’appareil publicitaire.
Vous pourrez admirer davantage du travail de Peter Stults à l’adresse suivante: http://www.behance.net/PeterStults
En voilà un peintre oublié!
Croate, formé à l’académie de Vienne et celle de Munich au moment de l’art nouveau (très évident dans son oeuvre), il voyage et est influencé par les grands centres culturels européens. Il devient célèbre en temps que portraitiste de la haute bourgeoisie (si, si…), avec plus de 150 portraits réalisés.
C’est le seul croate à présenter son travail à l’exposition d’art nouveau de Munich en 1896 et est vite reconnu, en particulier après son exposition à Paris en 1906. Néanmoins, son oeuvre est largement sous-estimée (qui connaît son nom?) sauf par quelques collectionneurs avisés. D’ailleurs, la plupart des tableaux, dessins et aquarelles exposés lors de rétrospectives sont issus de collections particulières.
Il est surtout, on le comprend en regardant les reproductions de toiles présentées ici, un peintre de l’érotisme. Est joint également une photographie d’un modèle dans son atelier (à préciser qu’il photographiait lui-même ses modèles).
A noter également: les oeuvres étant peu exposées, les reproductions présentées ici sont issus de scans des catalogues, d’où leur piètre qualité.
Né Erwin Olaf Springveld (1959-), néerlandais. Des études de journalisme, puis un concours en 88 (Chessmen) qui le lance.
Je pourrais parler longuement de son travail assez diversifié et j’y reviendrai ultérieurement avec des clichés témoignant d’autre style. Dans ce post, je préfère privilégier la mise en scène référentielle aux techniques picturales (ouverture souvent unique faisant entrer une lumière extérieure blanche, blafarde presque; mise en place et composition au millimètre, équilibrage des valeurs, estompage des ombres, respect des matières, contrastes de couleurs); et bien évidemment choix des sujets (natures mortes, portraits en pied, scènes religieuses etc.).
La série de natures mortes réalisée en collaboration avec la styliste Tatjana Quax représente un cas ultime de jeu sur le clair-obscur, sur le mise en place, l’effacement des valeurs bouchées ou grillées (trop noires, trop blanches). Tout est mesuré, quantifié, jusqu’au drapé et la position des doigts. Au millimètre. La raison l’emporte, l’analyse prévaut. Là, l’artiste (le photographe) s’efface derrière le modèle à reproduire.
Je dois avouer que j’adore ce type de bel ouvrage. Parce que la référence à l’Histoire de la peinture, et, de manière plus générale, les clins d’oeil à la culture passée me parlent; et parce que le soin extrême apporté à la réalisation de ce jeu force évidemment l’admiration et fait naître un sourire amusé.
Chiharu Shiota, artiste japonaise née en 1972 à Osaka et travaillant à Berlin.
Son travail se situe à mi-chemin entre performances et installations, jouant sur les éléments du souvenir, figés dans le temps. Les accumulations font évidemment références aux camps d’extermination.
Je laisse au lecteur le choix d’interpréter la présence de ces fils noirs reliant les éléments de certains installations: fils d’araignées? Piège refermé sur les traces d’un présent éternel? Présence enfin visible d’une réalité généralement occultée?
http://www.chiharu-shiota.com/
Une très belle exposition,
Les textes présentant chaque salle sont éclairants. Le choix des toiles pertinent, même si l’on regrette quelques manques (le symbolisme n’est représenté que par quelques artistes, la musique est totalement absente).
Néanmoins, le parcours est fascinant, et bien évidemment, le parallèle avec notre époque ne peut manqué d’être effectué. Le rêve et le cauchemar: cette occulte part de notre esprit, manifestation des pulsions et désirs qui constituent notre terreau nous tend un miroir sur notre être secret et nos craintes les plus cachées. Elle est soigneusement escamotée de nos jours, ou pire, travestie dans le but d’être transformée en une valeur quantifiable et commercialisable pour le plus grand monde, détruisant la véritable catharsis des récits qui attaquaient et nourrissaient les racines de l’inconscient au profit de spectacles méticuleusement édulcorés.
Pourtant, le véritable effroi gothique, l’obscure clarté des forêts emprisonnantes, les créatures démoniaques et mon amie La Mort, méritent mieux qu’une récupération vestimentaire et cinématographique formatées en ces temps où le futur est sombre et où le constat de tout système politique, philosophique et économique est désormais amer et sans plus d’illusion, ce qui pourtant, à une époque, était à l’origine du romantisme noir.
http://www.musee-orsay.fr/index.php?id=649&L=0&tx_ttnews%5Btt_news%5D=35087&no_cache=1
Jean-Edouard Dargent (Yan’ Dargent), peintre et graveur d’origine bretonne un peu oublié aujourd’hui (1824-1899).
Un importante partie de sa production est consacrée à la peinture de sa région.
Son oeuvre est très inégale et insuffisamment personnelle, ce qui explique peut-être en partie le manque de notoriété. Néanmoins, il travaille pour Hetzel, Garnier, Furne & Boivin… Son oeuvre gravée comprend en particulier une adaptation de Dante, de Poe, Handersen…
Il collabore également à des magazines en tant qu’illustrateur (pour le Magasin pittoresque; Le musée des familles, la France illustrée…)
A coté de ces travaux de commande, un certain nombre de peintures inspirées par les paysages bretons et quelques toiles que l’on peut rattacher sans trop de problème au courant symboliste.
Il était temps, elle allait fermer.
Et pour en profiter, il fallait du courage: un mercredi en plein après-midi, il a fallu 1h30 pour y parvenir après moult queues.
Mais l’exposition valait le détour. Pas une grande quantité de toiles, mais un parcours thématique intelligent. Et assez d’oeuvres néanmoins pour s’attarder sur quelques travaux emblématiques et les analyser avec attention.
Je me demande encore quelle taille de pinceau il pouvait bien utiliser pour réussir à mettre autant de détails dans les éléments lointains et donc… petits…
Par contre, la signature, au fil de la carrière de Dali, a pris des dimensions mégalomaniaques, inversement proportionnelles à la qualité ou l’intérêt de ce travail plus contemporain.
![myeongbeom kim06_thumb[1]](http://oliviercotte.files.wordpress.com/2013/03/myeongbeom-kim06_thumb1.jpg)
Myeongbeom Kim, né en 1976 en Corée du Sud, étudie o la School of the Art Institute of Chicago.
Posant son regard sur le ponde, il attend que des associations surgissent et leur donne corps dans des installations. L’assemblage des composants, à la manière des surréalistes, est souvent constitué d’un élément naturel avec un objet manufacturé. L’ensemble donne un sentiment d’équilibre, une certaine forme de sérénité même, grâce à la simplicité du processus et l’évidence des relations exposées.
